Martes 21 de octubre

El resplandor

Director: Stanley Kubrick
Reino Unido. 1980, 147 min.

Jack Torrance es contratado para mantener el hotel Overlook durante los meses de invierno en los que permanece vacío. Junto a su hijo Danny, que tiene un extraño poder de premonición llamado "resplandor", y su mujer Wendy, se trasladan al hotel, situado en medio de la nada. Pero con la llegada de la nieve, la carretera que les comunica con la ciudad más cercana es cortada, y en medio del aislamiento unos terroríficos poderes empiezan a desatarse en las habitaciones del hotel y en la mente del propio Jack, que irán trastornándolo hasta convertirlo en un psicópata.

Kubrick se propuso rodar la esquizofrenia. El relato de Stephen King fue trasladado a la pantalla con una narración inquietante y, por momentos, angustiosa. El poder de la imagen consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. El mérito es aún mayor cuando, a diferencia de lo habitual en el género, el director no se refugia ni un segundo en la oscuridad para provocar miedo o tensión.

Apple Core – Monkey Honky Town

Director: Txuspo Poyo

Unas bolas de hierro y una niña recorren las diferentes habitaciones de un hotel abandonado. El lugar deshabitado y en un estado ruinoso, crea un estado de ansiedad y temor. El grito de la niña hace que la bola interrumpa su misión.

Martes 28 de octubre

La noche del cazador

Director: Charles Laugthon
Estados Unidos, 1955, 93 min.

Ben Harper es atrapado por la policía tras su último y desesperado golpe, pero, en el último instante, conseguirá dejar los diez mil dólares del botín en poder de sus hijos, que lo esconden en el interior de la muñeca de trapo de la pequeña Pearl. Cuando se encuentra en prisión y antes de ser ejecutado, conoce al reverendo Harry Powell, un psicópata que viajará hasta el hogar de Harper para localizar el dinero tras casarse con su viuda Willa.

La maestría de esta película no solo radica en su música y sus imágenes poéticas, en su belleza o en su oscuridad, radica en lo heterogénea que es. Laugthon hace referencia a los cuentos de hadas (Hansel y Gretel), al cine mudo, al fanatismo religioso y a la crueldad infantil. La película se desliza por el territorio onírico y se convierte en un cuento con niños y ogro. Todos los efectismos están plenamente justificados gracias al guión, al montaje y a la interpretación de Robert Mitchum como predicador fanático y divertidamente malvado. Es una película llena de significados que incluso posee referencias bíblicas. También es un filme cargado de poesía y sutilidad reflexiva muy propio del cine europeo de la época.

De carne y hueso

Director: Txuspo Poyo
España, 2005, 3:20 min.

Dentro del caos aparente de un hormiguero, la presencia de un texto extraído de un libro adquiere un significado diferente, con hormigas y palabras cruzadas en un "orden de resistencia".

Martes 4 de noviembre

Desierto Rojo

Director: Michelangelo Antonioni.
Italia-Francia, 1964, 112 min.

Giuliana, una mujer insatisfecha no sólo de su vida conyugal sino también de su esfera social y afectiva. Vive en la ciudad de Ravena, de la cual destacan ciertos rasgos de arrojada modernidad y una industrialización invasora, Giuliana tiene una existencia cada vez más ajena. El marido es su propia antítesis, perfectamente adaptado a su entorno y consciente de su propia dimensión social. Al principio, Giuliana intenta superar su insatisfacción entablando una relación con Corrado, compañero y amigo del marido. Pero el hombre representa un elemento más de enajenación, ya que él mismo es incapaz de adecuarse al medio donde actúa.

“El Desierto Rojo”, primera producción en colores de Antonioni es una obra crucial en su filmografía. En ella, junto con dejar el blanco y negro para siempre en su obra, analiza la compleja relación y efecto del ambiente social sobre el individuo en la sociedad europea de visible éxito económico de los sesenta.

Su cine ya ha abandonado por completo la simple estructura narrativa lineal de una historia y hace palpable el vacío contemporáneo colocando su acento en las constantes que marcarían su obra posterior: los aspectos plásticos, la mirada crítica sobre la nueva burguesía, la atención en el universo femenino y sobre todo la percepción de un mundo interior.

Cruzando puentes

Director: Txuspo Poyo
Estados Unidos, 2003, 15:20 min.

Durante la primavera del 2003 inicié un proyecto sobre los puentes que conectan la isla de Manhattan con Brooklyn y New Jersey. La elección de cinco puentes corresponde a la extensión de una mano sobre el plano de la isla, donde cada dedo constituye un puente. Los cinco puentes -a manera astrológica- entretejen diferentes intenciones, que se añaden a la intervención directa de estas estructuras en la vida social, política y cultural de la ciudad, sin olvidar la situación actual en la que estas estructuras de entradas y salidas están consideradas objetivos militares estratégicos y, por lo tanto, están en alerta naranja, custodiadas por patrullas policiales día y noche.

Martes 11 de noviembre

Stalker

Director: A. Tarkovsky
Unión Soviética, 1979, 163 min.

Un hombre es conocido como un "Stalker" (Aleksandr Kajdanovsky). Su trabajo consiste en guiar y enseñar a los curiosos un lugar llamado "la zona" en donde se cree un meteorito hizo impactó y dotó a sus alrededores de increíbles poderes, como el de conceder deseos a todo el que logre ingresar. La zona se encuentra fuertemente custodiada por militares. Stalker deberá valerse de su ingenio para burlar a los guardias y conseguir penetrar junto a un escritor y un profesor, dos curiosos en busca de respuestas.

Andrei Tarkovski dirige esta obra de ciencia ficción narrando sucesos inverosímiles y caóticos con un trasfondo crítico hacia la sociedad, la ciencia, y la fe. El potencial de la cinta nace de la confrontación entre los caracteres centrales, un trío que se explaya en un monumental trabajo interpretativo, cada con un punto de vista diferente sobre el sentido de la vida, la búsqueda de la felicidad, de la riqueza material, intelectual o espiritual.

Cruzando vías

Director: Txuspo Poyo
Estados Unidos, 2003, 3: 20min.

Después del atentado del 11 de Septiembre, los conductos que conectan la ciudad de Nueva York con el interior y su extrarradio, se han convertido en lugares de máximo riesgo. Este riesgo condiciona advertencia y miedo en la conducta. Advertencia que, a modo de propaganda directa, se extiende desde lugares de tránsito subterráneo a puentes de entrada y de salida. A partir de ese momento, las autoridades gubernamentales tuvieron en cuenta a la población hispanohablante y utilizaron su lengua en la información de carteles y señales, la cual había sido omitida hasta ese momento.

Martes 18 de noviembre

The Wall

Director: Pink Floyd- Alan Parker
Inglaterra, 1982, 95 min.

La historia nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada "Pink", que se convierte en un antihéroe mentalmente enfermo debido a los traumas que la vida le va deparando. La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial en una acción en la que los mandos británicos sacrificaron a muchos soldados, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, su mundo de superestrella, etcétera, son convertidos por él en ladrillos de un muro que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. La película es prácticamente la transformación gráfica de la música del álbum llevado al cine, una tridimensionalidad musical en estado puro.

Ambientes hostiles

Director: Txuspo Poyo
Bilbao, 2005, 7:30 min.

Ambientes Hostiles es una obra en 3D que combina un alto grado de tecnología en la realización con programación Maya, con la tradición de las vanguardias y con la psicología de la animación. El resultado es un extraño híbrido de conducta -un mecanismo- en el sentido de que el componente cultural condiciona la formación de la materia. Un paisaje de repeticiones sistemáticas creadas por un martillo como padre y sus clavos como “dichos”: las ideas entran como clavos: “agarrándose a un clavo ardiendo”, “un clavo saca otro clavo”…

La personificación de un objeto como el martillo nos golpea; es una historia muy reciente de nuestro periodo industrial. Se suma el tambaleo como signo ideológico, hasta una desintegración en la era de servicios. Pantallas a modo de pancartas, señalización, publicidad o propaganda… en un desierto de pérdida.

Martes 25 de noviembre

Anemic Cinema

Director: Marcel Duchamp
Francia, 1926, 7 min.

Una serie de espirales girando da lugar a unos curiosos efectos espaciales. Entre ellas se pueden leer frases en francés con doble sentido, el mismo juego se sucede a lo largo de todo el corto. El propio título es una imagen reflejada: anémic como el reflejo de cinéma.

Obra cinematográfica experimental de Marcel Duchamp en la que se suceden imágenes en movimiento de círculos descentrados, espirales y frases en círculos en rotación. Las posibilidades del cine en cuanto a su capacidad de proyectar la dimensión temporal de las imágenes fueron acogidas con entusiasmo por artistas plásticos de las vanguardias históricas, especialmente los dadaístas y futuristas y, posteriormente, de manera más compleja y elaborada, los surrealistas. Esta es en una muestra del cine abstracto experimental de los años 20 que recoge otros experimentos visuales del propio Duchamp en torno a las rotaciones y el sentido espacial del arte.

El retorno a la razón

Director: Man Ray
Francia, 1923, 3 min.

Cortometraje de tres minutos realizado con fotomontajes al modo de cadáveres exquisitos, es decir, a partir de la asociación libre de imágenes creadas con fósforos, chinches, papel, sal y pimienta sobre el celuloide.

Man Ray participó en los movimientos cubista, dadaísta y surrealista mientras creaba un nuevo estilo que enfatizaba los efectos del azar y el subconsciente. Buena muestra de ello es esta breve película repleta de analogías formales y juegos visuales no siempre fáciles de decodificar. El retorno a la razón, contrariamente a su título, nos pierde en la abstracción pura de la poética audiovisual.

Entre acto

Director: René Clair,
Francia, 1924, 22 min.

Dos hombres se acercan a un cañón y lo disparan. Los maniquíes de campo de tiro al blanco se balancean en el viento. Una bailarina se convierte en un hombre barbudo. Dos hombres sobre una terraza de azotea juegan ajedrez. Un cortejo fúnebre se mueve lentamente, sigue un ataúd tirado de un camello. ¿Qué puede significar todo esto?

Esta película fue inicialmente hecha para llenar un intervalo entre dos actos del nuevo ballet clásico de Francisca Picabia, “Relâche”, en el Théâtre des Campeónes Elysées en París en 1924. El entreacto es una mezcla surrealista de imágenes sin relación, reflejando el interés de Clair por el Dadaísmo. La música de la película fue compuesta por el compositor de vanguardia Erik Satie, que aparece en la película, al lado de Francisca Picabia. Man Ray, fotógrafo surrealista, también aparece en una película que curiosamente se parece a sus propias películas experimentales. Los temas que parecen dominar el filme son la muerte, la mortalidad y el paso apresurado de la tecnología. Una interpretación posible es que la película se burla de las tentativas de la humanidad de enfrentarse con la brevedad de su existencia.

Delay Glass

Director: Txuspo Poyo
Bilbao, 2007, 8:54 min.

Delay glass accede al Gran Vidrio de Marcel Duchamp en un simulacro donde las aportaciones científicas, tecnológicas, maquinistas y eróticas adquieren un movimiento rotativo y onanista de los diferentes artefactos, interactuando entre el hecho y la ficción.

Martes 02 de diciembre

1984

Director: Michael Radford
Reino Unido, 1984, 113 min.

En 1984 el mundo se encuentra dividido en tres estados, dominados por gobiernos absolutistas que prohiben cualquier manifestación de placer. Winston (John Hurt), un trabajador del Partido Exterior en el Ministerio de la Verdad, está escribiendo un diario que puede ser motivo de detención, tortura y posterior “vaporización´´. Su vida se complica cuando conoce a Julia (Suzanna Hamilton), con la que inicia una relación clandestina, que mantienen fuera del alcance de las cámaras que vigilan a la población, para aniquilar cualquier asomo de rebelión.

Basada en el clásico de George Orwell, escrito en 1948, 1984 es una película que ambientó en el futuro una crítica social del momento que vivió su nación luego de la II Guerra Mundial, con la pobreza y la miseria en que quedó toda Europa. La película penetra, con algunas reinterpretaciones, en la profundidad de la novela, y el temor primario de Orwell hacia el totalitarismo y el degradante conformismo queda perennemente retratado por el director Michael Radford.

Passenger: 50 segundos en vertical

Director: Txuspo Poyo
Bilbao, 2006, 10 min.

50 segundos en vertical, es el tiempo empleado en subir o bajar en el ascensor que une el barrio de Begoña con el Casco Antiguo de Bilbao. El edificio ascensor está situado en la calle Esperanza, y fue construido por Rafael Fontán en 1946. Desde entonces, varias generaciones han crecido utilizándolo casi a diario. Este transporte público, de fisonomía racionalista, ha tenido una presencia primordial en el creci-miento social y cultural de la zona.

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