Espacios Audiovisuales: Cinema Avant Garde
02/09/08

Todos los martes de setiembre, 6 p.m.
Videoteca MADC en el CENAC.
Entrada gratuita

Martes 09 de setiembre

Vormittagsspuk

Alemania, 1928, 6 min.
Dirección: Hans Richter

Richter presenta una serie de acontecimientos irracionales cuando objetos ordinarios desafían su empleo diario: una pajarita que se deshace, el salto de sombreros de las cabezas de sus propietarios y el salto de tazas de café hasta su destrucción.

“Ghosts before Breakfast” también conocido como “Vormittagspuk” es una animación experimental de stop motion de los años 1920. Es considerada una de las primeras películas surrealistas que se hicieron. El filme muestra el interés de Richter al Dadaísmo. Directamente con este trabajo se desafía las normas del arte de la época, presentando un tema de oscuridad y fantasía. Los relojes, piernas, escaleras, sombreros, y la gente sufren acontecimientos totalmente irracionales en situaciones insólitas.

Entr´acte

Francia, 1924, 22 min.
Dirección: René Clair

Dos hombres se acercan a un cañón y lo disparan. Los maniquís de campo de tiro al blanco se balancean en el viento. Una bailarina se convierte en un hombre barbudo. Dos hombres sobre una terraza de azotea juegan ajedrez. Un cortejo fúnebre se mueve lentamente, sigue un ataúd tirado de un camello. ¿Qué puede significar todo esto …?

Esta película del director René Clair fue al principio un hecho para llenar un intervalo entre dos actos del nuevo ballet clásico de Francisca Picabia, Relâche, en el Théâtre des Campeónes Elysées en París en 1924. El entreacto es una mezcla surrealista de imágenes sin relación, reflejando el interés de Clair al Dadaísmo, un acercamiento radical de moda al arte visual que confió en la experimentación y el expresionismo surrealista. Las imágenes de Clair son encantadoras e inquietantes, que dan vida a objetos inanimados. La música para la película fue compuesta por el compositor de vanguardia Erik Satie, que aparece en la película, a lado de Francisca Picabia. Man Ray, fotógrafo surrealista, aparece en una película que curiosamente se parece a sus propias películas experimentales. Los temas que aparecen dominar el filme son la muerte, la mortalidad y el paso que se apresura de tecnología. De ahí, una interpretación posible es que la película se burla de las tentativas de la humanidad de enfrentarse con la brevedad de su existencia.

“L’étoile de mer “

Francia, 1928, 21 min.
Dirección: Man Ray

Como si fuese un sueño, un hombre y una mujer andan a lo largo de una vereda. Ellos suben una escalera y entran en un cuarto en el cual la mujer comienza a desnudarse. El hombre dice adiós y se marcha. Más tarde, la mujer da una estrella de mar al hombre en un tarro. En su cuarto, él lo examina con fascinación. La mujer vuelve a la misma escalera con un cuchillo, la intención es de asesinarlo, y encuentra una estrella de mar. El hombre encuentra a la mujer de nuevo, pero esta vez ella está acompañada por otro hombre. Qué hermosa era ella, él reflexiona, mirando la estrella de mar. Que hermosa es todavía…

Película significativa del movimiento Surrealista de los años 1920, dirigida por Man Ray. L’Étoile de mer es una película corta que tiene el carácter de un sueño, deja perplejo al público y al mismo tiempo atormenta. Es inspirado en un poema de Robert Desnos, la película contrasta la belleza de una estrella de mar con él de un amor perdido.

Ballet mécanique

Francia, 1924, 10:24 min.
Dirección: Fernand Léger

"Me gustan las formas hechas necesarias por la industria moderna y las uso; un horno de fusión tendrá miles de reflexiones coloreadas tanto más sutil como más sólido que un sujeto supuestamente clásico. Considero que una ametralladora o el trasero de 75 personas merecen más ser pintados que cuatro manzanas sobre una mesa o un paisaje de nube de santo", escribió Léger en una carta 1922.

El Ballet mécanique es una película experimental, dirigida por Fernand Léger y Dudley Murphy con la cinematografía de Man Ray y la música por Jorge Antheil.

El filme fue producido en los años 1920, época en que las máquinas empezaban a ser empleadas más popularmente, siendo sustituidos nosotros mismos por nuestras propias creaciones. Asustadizo y hermoso, un paisaje donde aparecen máquinas humanizadas y gente mecanizada, con 16 pianos sincronizados de fondo.

Martes 16 de setiembre

Thanatopsis

Estados Unidos, 1962, 5 min.
Dirección: Ed Emshwiller

Thanatopsis" es una palabra relativamente obscura, cuyas raíces componentes griegas explican detalladamente algo como " una opinión de la muerte ".

Emshwiller introduce algunas técnicas innovadoras de cine en Thanatopsis. “Él describió la película como el enfrentamiento de un hombre y su tormento. Yuxtapuestos en contra de su compostura externa están las imágenes de una mujer y las luces de la distorsión, con el aumento de la tensión de los sonidos de sierras de poder y un latido del corazón”.

Film de Samuel Becket

Alemania, Irlanda, Estados Unidos. 1965, 21 min.
Dirección: Alan Schneider

Un hombre huye por una calle prácticamente desierta, se introduce en un portal, sube por las escaleras del edificio y entra en una habitación -probablemente la suya-, donde cuidadosamente borra toda realidad exterior. Corre la cortina, tapa el espejo, echa al gato y al perro, cierra con llave la puerta, cubre la jaula del pájaro y la pecera y empieza a romper las fotos de su pasado.

Film es la única incursión de Samuel Beckett en el cine. Escrita en 1963, se rodó en Nueva York durante el verano de 1964 ; la dirigió Alan Schneider y la protagonizó Buster Keaton. Para el rodaje, Beckett realizó su único viaje a los Estados Unidos, en julio de 1964.

La película no tiene diálogos, parte de la teoría de Berkeley "ser es ser percibido": aún cuando se suprime toda percepción exterior, ya sea ésta animal, humana o divina permanece la auto percepción. Sin embargo, pese a este principio filosófico, la película, como toda la obra de Beckett, contiene elementos de comedia.

Poème electronique

Bélgica. 1958, 8: 27 min.
Dirección: E. Varese y Le Corbusier

El pabellón Philips se erigió durante seis meses para la celebración de la Exposición Universal de Bruselas de 1958. El edificio contenía en su interior el “Poema Electrónico”, una obra acústico visual realizada por un equipo constituido por Le Corbusier y el músico-ingeniero y arquitecto Iannis Xenakis para la redacción del proyecto y su construcción, Edgar Varèse y el técnico de la empresa Philips W. Tak para la música, el editor Jean Petit y el cineasta Philippe Agostini para la selección de imágenes y filmación del documento cinematográfico. Además de emplear las instalaciones de la fábrica Philips en materia de iluminación, sonido y contar con el apoyo de la empresa constructora belga Strabed y de su ingeniero Hoyte Duyster.

“Poeme electronique” es una compleja máquina, que consigue una síntesis total de arte y tecnología, y donde la arquitectura es, simultáneamente, forma, espacio, volumen, imagen en movimiento, color, acústica y música, realizando, a su modo, lo que ya habian anunciado Kafka, Ball, Leger, Duchamp, Schlemmer, etc.: la obra de arte total. Es también un precedente de la Psicodelia y el Pop-Art.

The Cut-Ups

Estados Unidos. 1966, 19 min.
Dirección: Anthony Balch y William S. Burroughs

La película empieza con unas palabras de Burroughs («blanco, blanco, blanco, hasta donde alcanza la vista…») y termina con unas páginas de jeroglíficos egipcios que el viento arrastra por un camino rural.

El estilo de escritura de William S. Burroughs es predominantemente visual, centrado en la idea de las asociaciones visuales. No es de extrañar, entonces, que durante su breve carrera como guionista haya utilizado la técnica dadaísta conocida como cut-up, donde las palabras impresas son recortadas y vueltas a ordenar en busca de nuevos significados. En este cortometraje realizado junto al británico Antony Balch, Burroughs ofrece la adaptación cinematográfica de esta técnica, donde las mismas imágenes son vistas varias veces a través de un montaje aleatorio acompañado por un collage musical. Es un ejercicio fuera de la norma que demuestra la condición fragmentada del arte.

Martes 23 de setiembre

Selección de cortometrajes de Norman Mc Laren

60 min.

Norman Mc Laren, de origen escocés, pero que paso la mayor parte de su vida en Canadá, fue uno de los pioneros del cine de animación experimental. Es una de las figuras más importantes del cine canadiense e ilustre cineasta de animación que en 50 años de producción ha creado 59 películas de invención e innovación.

No satisfecho con las formas tradicionales de animación, él intentó dibujar directamente sobre los negativos o raspar sobre la película. También realizó filmes tridimensionales, otros con la técnica de Pixilation, que es una forma de animación fotograma a fotograma, que en lugar de objetos inanimados, como las figuras de plastilina, utiliza seres vivos. Otro de los elementos importantes y que ayudaron en su búsqueda constante de la innovación y animación fue la danza, con la cual en sus últimos años de vida, realizó tres cortometrajes con la participación de destacados bailarines: "Adagio", "Pas de deux" y "Narciso" (último film en 1983). En ellos ralentizó el tiempo con lo que consiguió escenas elegantes y bellas, dando una nueva dimensión al ballet.

Martes 30 de setiembre

Selección de cortometrajes de Stan Brakhage

60 min.

Stan Brakhage, fue una de las figuras más importante del cine de vanguardia en la posguerra norteamericana. Para él, el montaje era una compleja y exquisita composición rítmica, y sus filmes parecen aceptar únicamente apertura, una mente renovada y diferente. El ritmo de la experimentación revive el interés interior. Sensaciones, pulsaciones, vitalizadas por su montaje característico de acumulación de objetos dentro de un fotograma. Para el espectador, cualquiera de sus películas es el descubrimiento de un mundo de formas y colores que no parecen haber sido dispuestos al azar sino intuidos por una poderosa y secreta lógica interna.

Diseño y concepto del ciclo: Ernesto y Antonio Jara.
Coordinación MADC: Antonieta Sibaja.

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